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Bonne visite!
- Etienne Tremblay

Comment exporter les pistes pour le mix avec Cubase

À chaque nouveau contrat de mix ou de mastering, il y a toujours un moment où il faut que j'explique comment exporter les pistes audio pour me les envoyer. Voici en résumé comment exporter les pistes avec Cubase et cette méthode est aussi une excellente façon de faire un backup de la chanson. Pour une explication plus détaillée, visionnez la capsule vidéo ci-dessous.

 

Ce que vous devez faire lors de l'export des pistes audio avec Cubase:

1- Faire "enregistrer sous".

Il est très important de sauvegarder une nouvelle version de la session en ajoutant, par exemple, "export pistes" à la fin du nom. Vous devrez déconstruire une partie de votre mix pour faire correctement l'export des pistes et on ne veut pas perdre ce qui a été fait! Je demande toujours votre mix comme référence, ça me permet d'avoir une bonne idée de votre vision et de ce que vous désirez.

*Cliquez sur les photos pour les agrandir

 

2-Désactivez les automations.

Dans la fenêtre de mix, sélectionnez toutes les pistes, enclenchez la fonction Q-Link situé dans le haut de la fenêtre et désactivez toutes les automations en cliquant sur "R" ("R" vert = actif / "R" gris = désactivé.)

 

MISE À JOUR: Concernant les étapes 3, 4 et 6, un internaute vient de me mentionner qu'il y a une fonction située en haut, à droite du mixer, pour réinitialiser toutes les pistes (volume, panner et plugins). Par contre, il faut préalablement enlever les automations (#2) et dégeler toutes les pistes (#5) avant de réinitialiser, sinon l'effet des plugins reste audible.

 

3-Désactivez tous les panners.

En amenant le curseur sur le côté gauche d'un panner, vous ferez apparaître la fonction on/off ("contourner le panner"). Sélectionnez toutes les pistes + Q-Link pour l'appliquer à toutes les pistes.

 

4-Mettez tous les volumes à 0 dB FS

En bref, la position nominale où le fader ne fait pas de boost ou de réduction de volume.) La fonction Q-Link ne semble pas bien fonctionner pour cette manipulation, alors il faut la désactiver et y aller un fader à la fois (cliquez sur le fader en tenant ctrl/cmd).

 

5- "Dégeler" les pistes.

Si vous avez des pistes "gelées" avec des plugins en insert, il faut les dégeler pour être en mesure d'enlever les plugins. (*Si vous ne connaissez pas la fonction "freeze" de Cubase, référez-vous à la vidéos en haut de page). Il n'est pas nécessaire de dégeler un instrument virtuel s'il n'y a pas de plugin en insert.

 

6-Enlevez tous les plugins.

Enfin, presque. Règle générale, je veux avoir les pistes sans aucunes formes de traitement (EQ, compression, chorus, flanger, phaser, délay, saturation, etc). Par contre, si les traitements transforment drastiquement une piste et que vous pensez qu'il est important de les garder, dupliquez la piste et faite une version avec effets et une autre sans. Ainsi, vous pourrez fournir les deux versions et je serai en mesure de juger si je garde la piste avec effets ou si je la retravaille d'une autre façon.

 

7-Faite vos FADES!!!

Je n'insisterai jamais assez sur ce point: il est important de faire tous les fades in/out (en français: fondu d'entré/sortie) sur touuuuutes les pistes audio pour éviter qu'il y ait des "clips", des "peaks". La touche "X" du clavier permet de faire automatiquement des fades in/out sur plusieurs segments audio sélectionnés.

ATTENTION: il ne faut pas "sur-éditer" la piste de voix principale, laissez les respirations. Il ne faut pas non plus couper le sustain des instruments (ce n'est pas grave si on entends les baguettes du batteur à la fin, je les couperai s'il le faut). Je préfère avoir du noise au début et à la fin d'une piste qu'elle soit coupée trop rapidement.

 

8-Sélectionnez toujours une mesure supplémentaire avant et après. 

Il est venu le temps d'exporter les pistes et il faut sélectionner dans la barre de temps la durée désirée. Votre sélection doit idéalement débuter une mesure avant le début de la pièce et se terminer une mesure après la fin. Si votre chanson débute au temps 0:00:00, sélectionnez dans la barre de temps une mesure au début de la pièce et allez dans Édition>Intervalle>Insérer un silence pour ajouter la durée sélectionnée. Il faut que toutes les pistes soient "dégelées", sinon elles resteront en place.

 

9-Ajustez les options de nom. 

Une fois que vous aurez cliqué sur Fichier> Exporter> Mixage Audio, vous verrez apparaître la fenêtre avec les options d'export. Cliquez sur "Schéma de nommage" et enlevez toutes les options pour ne garder que "Nom du canal". Le plus simple est toujours le mieux.

 

10-Sélection du chemin. 

Cliquez sous "Chemin" pour sélectionner l'endroit où vous exporterez vos pistes. Créez un nouveau fichier dans lequel vous exporterez les pistes; je vous suggère la nomenclature suivante: "nom de la chanson" + "type de fichier + résolution + "tempo".

Par exemple: Beat It WAV 24_441 139bpm

Une fois les pistes exportées, vous pourrez compresser en .zip ce ficher et me l'envoyer via wetransfer, dropbox ou un autre service de transfert de fichiers.

11-Format du fichier et Sortie moteur audio > même chose que la session.

Les pistes exportées doivent être dans la même résolution que le format d'enregistrement. Il n'est JAMAIS utile d'augmenter ou de réduire la résolution à cette étape.

 

Nous avons terminé avec la section de droite de la fenêtre d'export, il n'est pas nécessaire de sélectionner les options sous Format de fichier, d'importer les pistes dans le projet ou de choisir un post-traitement.

12-Sélection des pistes à exporter.

Cliquez sur "Export multicanal" situé en haut, à gauche de la fenêtre d'export. Dans le menu sous Export multicanal, vous retrouverez "Voies Audio" sous lequel vous pourrez cocher les pistes à exporter. S'il y a un effet que vous désirez exporter, cochez-le sous "Voix FX".

CUBASE FRANÇAIS
 

 

Et voilà! Vous avez réussi à exporter vos pistes de la meilleure façon possible!!! :)

Si vous désirez obtenir un devis pour le mix/mastering d'une ou plusieurs de vos pièces, écrivez-moi à etienne@lamachineamixer.com en joignant un ou des mp3 des pièces à travailler.


Traduction français à anglais:

  • Enregistrer sous = Save as
  • Geler = Freeze
  • Schéma de nommage : Naming scheme
  • Chemin = Path
  • Format du fichier = File Format
  • Sortie moteur audio = Audio Engine Output
  • Export multicanal = Chanel Batch Export
  • Voies Audio = Instrument Tracks
  • Voies FX = FX Channels

Comment obtenir un MIX FORT avec du PUNCH!

Que vous soyez pour ou contre la "guerre du volume", de nos jours, nous devons presque toujours appliquer du traitement dynamique - comme un limiteur - pour augmenter le volume apparent de nos mixs. Même si beaucoup de lecteurs (iTunes, Spotify, Windows Media player, etc) disposent d'une fonction "loudness normalization", qui nivèle les différences de volumes entre les pièces, cette option n'est pas disponible dans tous les contextes d'écoute. Alors, pour certains styles musicaux (rock, pop, urban, electro, etc) nous devons faire en sorte que nos mixs aient du punch et de la puissance pour être un minimum compétitifs avec les productions commerciales.

Cela dit, ce n'est pas qu'en mettant un limiteur sur la piste master que l'on peut obtenir un mix loud. Faire travailler abusivement un limiteur va généralement produire de la distorsion harmonique et rendra le mix agressif, voire désagréable. Aussi, lorsque l'atténuation du limiter est très importante, la perte de dynamique rend l'écoute moins intéressante.  Alors, comment fait-on pour éviter la détérioration sonore du limiteur tout en produisant un mix qui a de la puissance ?

Il faut travailler à la source, lors du mix. Voici quelques conseils qui vous aideront à atteindre un mix loud, avec du punch et de la vie.

MOBILES & TABLETTES: Tapez sur le point en bas, à droite, pour faire apparaître le texte lorsque vous regardez les photos.

 

ÉGALISATION

Lorsque vient le temps d'égaliser, il est tentant de faire des boosts un peu partout pour mettre en valeur les éléments les plus audibles des différentes pistes. Il faut toutefois faire attention, parce qu'on peut se retrouver avec un mix agressif si l'on exagère trop certaines fréquences. Une façon simple d'éviter de trop traiter les hautes est de mettre un égalisateur de bonne qualité sur la piste master et de faire un boost de 1 dB à 2 dB avec un EQ shelving vers les 10khz-12khz (comme sur la photo ci-dessus du Equality, de DMG audio). Ainsi, nous n'aurons pas besoin d'égaliser toutes les pistes et nous appliquerons par la suite des boosts uniquement sur les pistes que nous désirons avoir à l'avant-plan.

*Un léger boost à 80hz avec un EQ peak peut aussi être très agréable dans bien des contextes.

STIMULATION HARMONIQUE

Émulation: Simulation numérique d’un circuit analogique. Ex.: J37, de waves

La stimulation harmonique est un excellent moyen pour donner de la présence aux différents éléments et à l'ensemble du mix.

C'est ici que la distorsion devient votre ami.  Je ne vous parle pas d'une pédale de fuzz, mais plutôt des nombreuses émulations de rubans analogique, de lampes, de consoles, de transistors, de triodes et autres, disponibles en plugins. Ces distorsions non-linéaires peuvent grandement nous aider durant le mix: à basse intensité, elles ajoutent des harmoniques qui rendent un son plus audible et le rapproche de l'auditeur. À plus haute intensité, comme lorsqu'on sature l'entrée d'une enregistreuse analogique (ex.: VTM, de Slate Digital), elle agit aussi comme une forme de compression, en réduisant la dynamique des peaks les plus forts, donnant ainsi un volume moyen plus puissant.

COMPRESSION PARALLÈLE

La compression est un probablement le traitement le plus difficile à maîtriser. Lorsqu'on ne sait pas trop ce que l'on fait, on peut rapidement enlever tout le punch et la vie dans un mix. La compression parallèle est une technique qui peut vous éviter ce genre de problème. 

Pour faire une compression parallèle, on envoie un son dans une piste d'effet, comme on le ferait pour une réverbération, mais au lieu de la réverb, on place un compresseur. Généralement, le taux de compression sera très élevé (15-20dB), avec une attaque très rapide et un release lent (300-500ms). On mixe ensuite cette pistes ultra-compressé avec l'originale non compressée (environ 15 à 20 dB moins fort que l'originale). 

 

Exemple de compression parallèle:

1: Piste originale non compressée.

2: Compression parallèle de la piste #1.

3: Sommation des pistes 1 et 2.

L'augmentation de volume dans les passages les plus faibles est plus importante que dans les passage les plus forts.

Le grand avantage de cette technique est que l'on préserve la dynamique et le punch du son travaillé. Durant les passages forts en volume, la différence sera très subtile et dans les passages faibles, la compression parallèle aura un impact plus important sur le volume et la présence. C'est un traitement "à l'inverse" d'une compression classique, qui elle, réduit les peaks de dynamiques les plus forts. La compression parallèle est aussi une excellente façon d'augmenter le sustain des instruments percussifs, comme la batterie.

MIX DES BUS

BUS: Piste “sous-groupe” ou “auxiliaire” regroupant plusieurs pistes d’une même section (batterie, basse(s), guitare(s), clavier(s), etc.).

Plus vous travaillez les différents éléments séparément, moins vous êtes dépendant des traitements sur le master. Ce n'est pas toujours important, mais si vous désirez donner de la puissance à votre mix tout en préservant le punch, la définition et la dimension, le mix des BUS est une excellente façon de vous rapprocher de votre but.

Vous pouvez simplement mettre un compresseur, comme les classiques SSL, avec un ratio de 2:1, l'attaque la plus lente, le release le plus rapide et une atténuation moyenne de 3 à 4dB permettra de "lier" les différents éléments qui passent par le même BUS. C'est une technique assez simple à appliquer et il est préférable d'appliquer cette compression rapidement dans le processus de mix, parce qu'elle influencera le travail de compression des parties individuelles.

L'égalisation des BUS permet aussi dans certains cas de sauver du temps. Si l'on a plusieurs voix enregistrées dans les mêmes conditions, l'égalisation du BUS donnera rapidement un couleur à l'ensemble des arrangements vocaux. J'aime bien donner 1 ou 2 dB à 16khz avec un EQ Pultec, ce qui ouvre les voix sans les rendre trop agressives. L'oreille humaine est particulièrement sensible entre 2khz et 6kHz, alors il faut toujours faire attention de ne pas abuser des boosts dans les hi-mids!

Le Decapitator a l'avantage d'avoir un contrôle de mix wet/dry, ce qui permet de mieux doser la quantité de distorsion que l'on veut ajouter.

Un autre exemple est lorsque je mixe des guitares électriques: je commence généralement par égaliser le BUS et j'applique le Decapitator, de Soundtoys, qui est une distorsion avec un contrôle wet/dry, ce qui me permet de doser selon le contexte. Je peux même simplement jouer avec la balance wet/dry dans les différentes sections de la chansons pour donner de la présence aux guitares dans les parties plus chargées.

La subtilité est de mise lorsqu'on travaille les BUS. Toutefois, il arrive que l'effet de "pompage" soit désiré. Par exemple, on peut sidechainer le BUS des claviers pour qu'à chaque impact du kick, il y ait une atténuation des claviers, nous donnant l'impression que la musique va faire exploser les haut-parleurs.

Au final, réussir à bien travailler les BUS requiert le même genre d'investissement de temps et d'énergie que d'apprendre à bien mixer les éléments individuellement.

CONCLUSION

Trouver la façon adéquate de donner de la puissance à votre mix sans vous faire saigner des yeux peut prendre beaucoup de temps et de pratique. Il est nécessaire de bien comprendre les outils que vous utilisez et vous devez prendre le temps de bien les placer en accord avec l'esthétique recherchée dans votre mix. La formule n'est pas magique et comme en mix, vous devez pratiquez et faire preuve de patience. Avec le temps, vous trouverez votre façon de traiter les pistes, les BUS et le master, et le sentiment d'accomplissement qui accompagne la réussite d'un bon mix est toujours extrèmement gratifiant.

5 CHOSES À FAIRE AVANT CHAQUE MIX.

J'ai pris le temps de trouver 5 choses que TOUS les professionnels font avant de passer au mixage et que vous pouvez vous aussi faire, peu importe votre niveau ou le matériel que vous possédez. Si vous ne les appliquer pas déjà, ces pratiques vous permettront d'améliorer drastiquement la qualité de vos mixs. 

Alors, voici, dans le désordre, les 5 choses à faire avant chaque mix.

1-Écoutez vos références.

Si vous voulez connaître mes 15 albums de référence, cliquez sur l'image ci-dessus.

Si vous voulez connaître mes 15 albums de référence, cliquez sur l'image ci-dessus.

Premièrement, il faut définir ce qu'est une référence. Une référence est une chanson ou album, produit dans de bonnes conditions, par des professionnels. L'idéal, c'est de trouver un album que vous connaissez vraiment bien et que vous avez eu la chance d'entendre dans un maximum de contextes d'écoute (studio, voiture, écouteurs, etc). Il faut aussi que le style soit pertinent avec votre musique. De plus, il est préférable d'éviter les albums trop vieux (années 90 et moins), parce que les pratiques de mastering ont beaucoup changés dans les 20 dernières années. 

Il est très important de prendre le temps d'écouter une ou des références avant l'enregistrement, le mix et le mastering. Même avec plus de 10 ans d'expérience, il faut toujours que je prenne le temps d'écouter une référence avant les étapes importantes de la production. Si j'oublie de le faire, je le regrette. Écouter une référence, c'est un peu comme calibrer ses oreilles et ça nous assure de partir du bon pied. D'une journée à l'autre, notre écoute peut changer. Ça peut être dû à la soirée en boîte de la veille ou encore, au taux d'humidité plus élevé que la normale. Une baisse de tension électrique ou une journée de mer** peuvent aussi altérer la qualité de votre écoute. Alors, pour éviter d'être à la merci de tous ces différents facteurs, il faut faire une petit "reality check" en écoutant une référence!

Notez qu'il est important de "matcher" le volume de votre référence à celui de votre mix (il faut que les deux pièces soient au même volume apparent). Une pièce masterisée sera souvent 10-12 dB plus forte d'un mix non masterisé ou sans limiteur sur le master. Prenez donc toujours le temps d'ajuster le volume votre référence pour ne pas comparer des pommes avec des oranges.

2-Organisez les pistes par couleurs.

Ok. Ce conseil vous semblera à prime abord... superficiel ? Mais je peux vous garantir que si vous l'appliquez une fois, vous l'appliquerez toujours. Ça m'a pris des années avant de comprendre l'importance de l'organisation visuelle des pistes dans une session (ex.: drums/percus=orange, basse(s)=mauve, guitares=vert, etc). Premièrement, c'est beaucoup plus agréable et stimulant de travailler dans une session où tout est clair au premier coup d'oeil. Deuxièmement, on sauve un temps fou durant toutes les manipulations et en mix, temps = jus de cerveau. Plus c'est simple et rapide de s'y retrouver, plus vous pouvez concentrer vos énergies aux bonnes places. On s'évite ainsi les frustrations du genre "ben voyons, elle est où la maudite piste de shaker ?!?!?" qui nous font sortir de la "zone". C'est un 5-10 minutes particulièrement bien investi, faites-moi confiance!

3-Faite le ménage.

Utilisateurs de Pro Tools: jetez un oeil sur le "Strip silence" qui peut accélérer considérablement cette étape.

Quand je parle de ménage, je ne parle pas de passer l'aspirateur dans votre home-studio! Je vous parle de toutes ces voix enregistrées à la va-vite, dans le feu de l'action, et qui ont des bouts, sans voix, au début ou à la fin. On vous y entend peut-être parler, danser ou émettre des borborygmes. Si vous pensiez faire le ménage en cours de mix, oubliez ça tout de suite. Ça n'arrivera pas. Vous aurez juste le goût de vous concentrer sur l'effet super-cool-de-délai-sur-la-voix-avec-du-flanger-etc-etc-etc et c'est uniquement après la diffusion de la chanson que vous vous rendrez compte qu'il y a des bruits et des "clips" ici et là, parce que vous n'avez pas pris le temps d'enlever le bruit de fond et de faire les fades in/out. Ça fait partie des choses nécessaires - et plates - à faire, alors le plus rapidement c'est fait, le plus tôt on peut passer aux étapes plus excitantes ! 

Apprenez vos shortcuts pour l'édition et le ménage peut se faire en un tour de main.

4- Éditez le timing.

C'est probablement sur cet aspect de la préparation que se distinguent les professionnels des amateurs. Pourquoi ? Parce que ça peut-être parfois long (et péniple!) et ce n'est pas toujours évident de savoir quand et comment replacer des instruments qui ne sont pas tout à fait sur le temps. Les problèmes liés au rythme peuvent carrément vous empêcher d'atteindre l'esthétique sonore recherchée. Dans le doute, on vérifie le tout en commençant par la base: la batterie. 

On l'écoute avec un métronome en arrière-plan (lorsque la chanson est enregistrée au clic!) et on replace lorsque c'est à côté. Ça prend un peu de temps au début, mais plus vous le ferez et plus ce sera facile et rapide à faire. On ajoute la basse et on écoute l'interrelation. On replace au besoin. On ajoute une guitare et on ré-ré-écoute avec la batterie et la basse. On répète ces étapes en ajoutant un instrument à la fois, en terminant par la voix et les backs.

Évidemment, nous avons des outils qui nous facilitent grandement la tâche lorsqu'il faut corriger l'ensemble de l'interprétation. 
Avec la plupart des logiciels, il est possible de découper les pistes audio en analysant les "transients" (par exemple, à chaque coup de kick ou snare). Les segments audio peuvent être ensuite quantifiés (quantize), tout en préservant un certain pourcentage de l'interprétation originale. On évite ainsi que le résultat trop machinal. Ça demande un peu de recherche et d'essai-erreur pour maîtriser ce genre de manipulations, mais c'est accessible à tous.
Je vous conseille fortement de lire le manuel de votre logiciel ou de visionner des tutoriels avant de vous y mettre, parce que la méthode empirique peut être très frustrante lorsqu'on débute. 

Quelques points à garder à l'oeil:

  • La relation kick-basse. Est-ce que les deux sont bien ensemble ? Si non, lequel est fautif ?
  • Attention aux basses qui devancent le kick! C'est généralement préférable que la partie de basse soit en même temps ou légèrement après le kick. C'est aussi valable pour les beats et basses électro.
  • S'il y a plusieurs guitares rythmiques, vérifier qu'elles jouent bien ensemble. 
  • On oublie souvent que la voix peut aussi nuire au rythme. Nous ne sommes pas tous des Sinatra et on ne peut pas toujours se permettre de "free-styler" sans induire une bonne dose de chaos. La fonction time stretch est très utile dans ces cas, parce qu'on doit parfois étirer ou raccourcir un mot ou une syllabe pour que ça groove.
  • Il est parfois intéressant d'utiliser les Beat Detective de ce monde sur les guitares acoustiques, à cause de leur rôle "mélodico-rythmique".

5-Éditez le pitch.

Si je vous parle d'édition de la tonalité, de la justesse des notes, vous pensez probablement à l'autotune sur les voix et vous avez tout à fait raison. Bien que je ne sois pas un grand fan de l'auto-tune, c'est parfois un mal nécessaire et dans certains styles, la couleur de l'autotune est désirée. Je vous suggère de toujours faire une écoute critique de la justesse des voix en début de processus. Ainsi, avant de vous lancer dans le mix, vous aurez l'occasion de voir avec l'artiste s'il serait préférable de refaire la prise ou si l'on corrige - ou pas - lors du mix. Gardez en tête qu'il n'est pas nécéssaire de traiter l'ensemble d'une voix pour corriger une ou deux note fausses!

Mais il n'y a pas que les voix qui peuvent être fausses: les guitares et les basses peuvent aussi amener une certaine dose d'inconfort dans l'écoute si elles ne sont pas justes. Du côté des guitares, le plus grand risque provient de l'utilisation de différentes guitares ajustées différemment (ou justement, pas ajustées!). Dans ce cas-ci, il est impossible de régler le problème avec un autotune. Si vous avez des enregistrements importants à faire, un petit tour chez le luthier vous évitera ces problèmes impossibles à régler.

L'autotune sur une basse électrique est parfois nécessaire si elle n'était pas juste avec les guitares. Le résultat sera loin d'être parfait, mais ce sera mieux.


Voilà! Vous avez survécu ? Vous êtes maintenant prêt à vous lancer dans le mix de votre chanson! 

Je vous recommande de toujours faire un "save as" ou de créer une nouvelle copie de la piste travaillée à chaque fois que vous faite une manipulation importante, il sera ainsi plus facile de revenir en arrière si vous faites une erreur! Mais bon, comme on dit, on apprend de nos erreurs, alors il est peut-être préférable de ne pas m'écouter sur ce dernier point... ;-)

Mes réverbs préférées (avec extraits sonores)

Le monde de la réverbération peut sembler simple en surface, mais c'en est un avec une foule de possibilités et de couleurs! Je vous ai concocté cet article avec mes choix préférés de réverbs et pourquoi. Ce n'est vraiment pas un article scientifique, ni une liste particulièrement exhaustive, mais peut-être qu'il vous aidera à trouver une couleur qui conviendra à vos goûts et vos besoins.

Lexicon PCM Native

Lexicon Concert Hall

Lexicon, un peu après EMT, a été une des premières compagnies à offrir une unité de réverbération numérique portative et abordable. C'est encore à ce jour une des compagnies les plus reconnues pour la qualité de leur algorithmes (séries de calculs à la base du système). Bien-sûr, il y a maintenant sur le marché des réverbs tout aussi intéressantes, voire bien plus excitantes. Mais comme dans bien des cas, le romantisme l'emporte souvent sur la rationalité! Que vous fassiez du rock, du hip-hop, du folk ou du black metal, le son classique des Lexicon PCM Native se prête à tous les contextes. À première écoute, ces réverbs peuvent sembler froides, mais elles sont un magnifique complément aux sources directes et sont d'une très grande musicalité.

Le bundle comprenant tous les réverbs - parce que les différents types de réverbs (hall, plate, room, etc) sont divisés en différents plugins - est tout de même assez dispendieux; à 599$ USD,  on y pense à deux fois avant de les acheter. Cela dit, si votre budget vous le permet, vous ne serez certainement pas déçus!

Les particularités que j'aime:

  • Sa capacité à colorer le signal direct sans que la réverb soit apparente, ce qui permet des effets tout en finesse . Les rooms sont particulièrement "stealthy" (transparentes).
  • On peut l'utiliser uniquement avec les presets, mais on peut aussi aller en profondeur dans les paramètres pour un contrôle en détails des réverbs.
 

Lexicon Small Room // Preset: Car interior


Valhalla Vintage Verb

Color: 1970s

Ça fait très peu de temps que je possède le Valhalla Vintage Verb, mais il s'est instantanément gagné une place dans ce palmarès. Il est inspiré des unités de réverbération numérique des années 70 et 80, d'où le "Vintage Verb". J'ai été très impressionné par mes premiers essais avec le VVV et je sens qu'il deviendra rapidement un classique dans mon arsenal. Son interface est simple et très efficace: aucun sous-menus, on n'a qu'à déplacer le curseur au dessus d'un paramètre pour en faire apparaître la définition et les presets peuvent être sauvegardés sous forme de fichiers texte (pratique pour la sauvegarde et le partage de presets entre différentes plate-formes). Les différents "modes" (types de réberbs) sont très bien conçus et offrent une palette de couleurs assez étendue. Un de ses grands avantages est son prix: à 50$ USD, c'est le prix d'une soirée en boîte (et même moins!). C'est probablement un des meilleurs rapport qualité-prix sur le marché, toutes catégories confondues.

Les particularités que j'aime:

  • La fonction "Color", qui réduit la définition et colore l'ensemble de la réverb, comme le feraient les unités analogiques vintage, avec leur convertisseurs 12 bits et leur circuit noisy. Ça permet un rapport plus smooth et naturel avec le son direct. (*Couleurs disponibles: 1970s, 1980s et Now.)
  • Les nombreuses variation de "Modes", qui permettent de mettre le doigt plus rapidement sur la réverb pertinente pour le contexte. C'est un peu comme si on avait accès à des presets d'EQ et de compresseurs placés avant ou après la réverb, ce qui permet d'avoir une enveloppe et une sonorité différentes.
 

Color: 1980s // Mode: Chamber

Color: Now // Il semblerait que "maintenant", nos réverbs ne sont plus aussi colorées qu'avant... ;-)


Guitar Rig

Mon troisième choix s'arrête sur un plugin qui n'est pas à la base une réverb: Guitar Rig, la bien connue émulation d'amplificateurs de guitare. Il m'est souvent arrivé de l'utiliser sur la voix dans des contextes où il faut sortir des sentiers battus. Guitar Rig nous permet de jouer rapidement avec différentes combinaisons d'effets et sa facilitée d'utilisation simplifie le processus, laissant le champ libre à la créativité.

Dans l'exemple ci-dessous, je vous montre comment il est possible de combiner différent délais avec une réverb à spring et un modulateur d'enveloppe. Tripatif...

Les particularités que j'aime:

  • L'accès à différents effets (chorus, flanger, délais, pitch shift, modulateur d'enveloppe, etc) et la possibilité d'en changer rapidement l'ordre.
  • Très simple et intuitif.
  • L'utilisation d'émulation d'amplificateurs permet de transformer drastiquement les effets.

Altiverb

Finalement, ça prenait au moins une réverb à convolution dans ce palmarès parce que ça ouvre à un monde de possibilités. Je n'ai pas encore upgradé ma version d'Altiverb à la version 7, mais ça ne saura tarder. Si vous ne connaissez pas le principe des réverbs à convolution, voici un petit résumé dans la vidéo ci-dessous:

Altiverb est vraiment la crème des réverb à convolution, avec son interface vachement bien pensée, ses nombreuses options de "cutomisation" et son service après vente (de nouveaux IR sont disponibles à chaque mois). De plus, on peut l'utiliser de façon vraiment créative en utilisant des sources sonores autres que des Impulse Response de salles (voir le "guided tour" de Altiverb 7).

 
 
 

^^Petit tour guidé - en anglais - de Altiverb 7.

Les particularités que j'aime:

  • L'interface est belle et efficace. Ça permet un accès rapide au type de réverb désiré.
  • On reçoit une nouvelle réverbération à chaque mois.
  • Accès à des lieux vraiment extraordinaires (cathédrales, salles d'opéra, grottes, intérieurs de voiture, etc)

À 595$ USD, ce n'est pas tout le monde qui peut se l'offrir, alors voici une des réverbs à convolution les plus abordables sur le marché:

Reverberate, de LiquidSonics (£50 - environ 80 USD)

Site web officiel: http://www.audioease.com/Pages/Altiverb/

Prix: 595$ USD


Le mot de la fin

En terminant, je tiens à mentionner qu'il n'est pas important d'avoir une foule de réverbs différentes à notre disposition; il s'agit de bien connaître les outils que l'on possède. Personnellement, il m'arrive souvent d'utiliser une seule marque de réverb lors d'un mix. De plus, l'utilisation de délais est parfois préférable à plusieurs réverbs pour éviter une accumulation qui pourrait causer de la confusion. 

Et prenez le temps de lire ou de relire le manuel d'utilisation de la réverb que vous utilisez le plus régulièrement... vous pourriez redécouvrir votre réverb!


Les extrait utilisés dans cet article proviennent de la session de la chanson Déclaration, du groupe Yipikaï. Un grand merci tout particulier à ces derniers!!!

Facebook de Yipikaï: https://www.facebook.com/yipikaimusic

Pour écouter et acheter l'album: http://yipikai.bandcamp.com/releases

Si vous voulez tout connaître sur la réverbération, procurez-vous la formation complète "REV 101". Pour plus de détails, cliquez ICI.

GUIDE DIY: Comment faire des panneaux acoustiques absorbants.

C'est la première fois que je fais ce genre de guide DIY (Do It Yourself), alors soyez indulgent! Vos suggestions pour améliorer de cet article sont les bienvenues!

Panneau 2' x 4' placé au plafond.

Voici un petit guide pour construire des panneaux acoustiques absorbants! Ce type de traitement acoustique est idéal pour contrôler la réverbération de n'importe quel type de pièce (régie, salle d'enregistrement ou de pratique, cinéma maison, etc). L'absorption est un des premiers traitements que l'on fait lorsqu'on veut améliorer l'acoustique d'un home-studio. Les panneaux achetés en magasin peuvent être intéressants, mais c'est généralement beaucoup moins cher de les faire soi-même et le résultat sonore est souvent supérieur. Alors, vous avez toutes les bonnes raisons de sortir votre perceuse et de bricoler durant le weekend!

Ma façon de faire est parfois un peu... "broche à foin" (improvisée...), parce que je suis loin d'être une personne manuelle, mais ça prouve que n'importe qui peut faire des panneaux du genre!

Je vais tâcher d'être le plus détaillé possible quant aux étapes à suivre, au risque d'être un peu long. Les photos utilisées dans ce guide sont celles de la construction d'un panneau 2' x 2', mais le procédé est le même pour ceux de 2' x 4'.

Les mesures sont indiqués uniquement en pouces/pieds pour ne pas alourdir le texte. Référez-vous à la table de conversion ci-dessous pour obtenir les mesures en cm/m.

(1' = 1 pied/foot    1" = 1 pouces/inch )

Premièrement, ce que ça vous prend comme matériaux:

-Panneaux de fibre de verre ou autre (voir plus bas pour plus de détails)

-Tissu (jute ou autre)

-Planches de bois (pin) 1" x 3" de 8 pieds ou + 

-Vis à oeillets

-Brocheuse (agrafeuse)

-Vis ou clous de 3 pouces

-Fil à cadres

-Crochets à tableaux

-Colle à bois

 

LES PANNEAUX DE FIBRE DE VERRE (OU AUTRE)

Différents types de matériaux peuvent être utilisés pour la partie absorbante des panneaux. Personnellement, j'ai utilisé des panneaux de fibre de verre Ottawa Fibre, 2' x 4' et 2" d'épaisseur, avec une densité de 4.5lbs/pieds carré. Une plus grande densité=un plus grand taux d'absorption. Les panneaux de ce type ont l'avantage d'être semi-rigides, donc ils sont faciles à manipuler, à découper et ils tiennent mieux en place à l'intérieur du cadre que des panneaux moins rigides, comme ceux en laines de roche. 

J'ai fait beaucoup de recherches - infructueuses -  pour trouver un revendeur de ce type de panneaux pour les particuliers. Ce sont des produits commerciaux qui ne sont généralement disponibles qu'en très grande quantité (genre, un truck plein). La Owen Cornings 703 est une marque souvent utilisé et ressemble beaucoup à celle que j'ai utilisée. La OC 703 a une densité de 3lbs/p. carr. au lieux 4.5lbs... 

La laine de roche est couramment utilisé et facile à trouver. J'ai fait mes premiers bass traps avec ce matériau et 10 ans plus tard, ils fonctionnent toujours aussi bien.

Voici un liste avec différentes marques selon les pays et leur taux d'absorption qui vous aidera, je l'espère, à trouver un équivalent disponible près de chez-vous: http://www.bobgolds.com/AbsorptionCoefficients.htm

J'ai acheté un paquet de 6 panneaux de 2 pieds par 4 pieds (2 pouces d'épaisseur) au coût de 250$ CAD chez Studio Economik, à Montréal. Toutes les quincailleries que j'ai contacté ne pouvait obtenir ce produit en petite quantité.

*Résidents Canadiens: pour de la laine Owen-Cornings (un classique pour faire des panneaux acoustiques, cliquez sur l'image ci-contre.

Tissu

Pour les tissus, j'ai fait la moitié des panneaux en jute et l'autre dans un tissu quelconque noir, assez mince. Je préfère personnellement la jute, mais ce n'est pas toujours facile de la trouver teinte et non brune (sa couleur naturelle...). L'avantage de la jute est qu'elle est assez transparente acoustiquement; un tissu trop épais va réfléchir certaines fréquences et nuira à l'efficacité de l'absorption. Aussi, la jute étant un peu "raide", elle procure un bon support pour la laine, ce qui est pratique pour les panneaux suspendus au plafond.

Un tissu utilisé pour recouvrir les haut-parleurs est aussi un excellent choix, mais le coût est généralement assez élevé.

Dans le doute, placez le tissu contre votre bouche et tentez de respirer à travers: il ne doit y avoir aucune résistance pour qu'il soit propice à ce genre d'utilisation.

Recouvrir mes 6 panneaux avant+arrière m'a coûté environ 100$.

Planches de pin

Pour la confection du cadre, les planches de pin 1" x 3" est l'option la plus abordable et efficace. L'idéal aurait été d'avoir la même largeur que les panneaux de fibre de verre, soit 2", mais ce n'était pas disponible à ma quincaillerie (et je ne sais même pas si ça se fait! ). Le résultat final n'en a pas souffert!

J'ai utilisé une quinzaine de planches de 8 pieds et j'aurais eu moins de pertes lors de la coupe avec des planches de 10 pieds... Chaque planche coûte environ 3$.

 

 

Les autres articles nécessaires

Pour la suite, ce sont tous des éléments que vous pouvez vous procurez facilement en magasin:

-Colle à bois (Lepage, dans ce cas-ci)

-Une perceuse (qui perce)

-Une brocheuse (Stanley "Light duty", avec des broches de 5/16" (7.9 mm) )

-Oeillets à vis moyen 1,25" (31 mm).

-Fil pour cadres

-Vis à bois de 2" (5 cm) ou clous. La vis tient mieux, mais il faut percer un trou pour ne pas fendre le cadre.

- Et une petite scie à bois. Rien de fancy...


Cliquez sur la photo pour télécharger le guide d'égalisation gratuit!

Cliquez sur la photo pour télécharger le guide d'égalisation gratuit!


 

Marche à suivre

La marche à suivre est relativement simple. Je tiens à préciser que je suis loiiiin d'être un gars manuel, alors vous trouverez peut-être par vous-même des façons plus ingénieuses de procéder!

1-Cadre

La confection des cadres est assez simple:

-Coupez 2 planches de 2' (61 cm) et 2 autres de 2' 1.5" (65cm) .

-Collez les deux premières planches du cadre en plaçant celle de 2' à l'intérieur de la 2' 1,5". J'ajoute deux agrafes pour les tenir sommairement.

*La colle est loin d'être essentielle, mais elle facilite la pose des agrafes et offre évidemment une résistance supplémentaire.

-Percez ensuite le trou avant d'y mettre la vis. Demandez à votre conseiller en magasin pour trouver la mèche adéquate pour votre vis.

Vous pouvez aussi utiliser des clous.

Quelques cadres pour des panneaux 2'x2'. Procédez de la même façon pour des panneaux de 2' x 4'. Substituez les deux planches de 2' par deux planches de 4' (qui seront collées à celles de 2' 1 3/4" ).

-Répétez les deux étapes ci-dessus pour coller les deux autres planches et compléter le cadre.


2-Coupe du tissu et de la laine

Vous devez ensuite découper votre tissu et votre laine. J'ai personnellement opté pour un recouvrement total des panneaux, comparativement à un recouvrement de la face uniquement. Je trouve le résultat plus joli et plus pratique pour la manipulation et les déménagements éventuels. Par contre, ça en coûte le double en frais de tissu...

Il est bien de découper le tissu un peu plus grand que la surface du panneaux, mais sans exagérer, parce que vous allez de toute façon tendre le tissu lors de la pose.

Sur la photo ci-dessous, j'ai clairement découpé mon tissu trop grand! Mais ce n'est pas grave, j'enlève l'excédent par la suite.

-Ensuite, il faut brocher le tissu sur un côté du cadre.

-On passe à la découpe de la laine de verre, qui peut être faite avec un simple couteau à pain. 

*Il est important de porter des gants pour la manipulation de la laine de verre si vous ne voulez pas que ça pique! Le port d'un masque à particules fines est aussi recommandé et j'en portais un lors de la coupe.

Malheureusement, je n'ai pas de photos de moi avec le masque. 

-Une fois la coupe faite, on place simplement la laine à l'intérieur du cadre. La laine étant semi-rigide, elle tient assez bien par elle même.

*Pour les panneaux de 2' x 4', j'ai ajouté deux vis de chaque côtés au 1/3 et 2/3 de la longueur, juste pour tenir un peu mieux la laine en place. Des clous auraient aussi fait l'affaire...

-On rabat ensuite le tissu sur la laine et on le tend pour le brocher sur le même côté que les premières broches. On replie le tissu à l'intérieur pour que ça tienne mieux et que la finition soit plus belle. Je vous suggère de débuter par le centre en allant sur un premier côté et de terminer avec l'autre, pour qu'il y ait le moins de plis possible.

J'ai préféré la jute au tissu noir sur les photos, parce qu'elle est plus rigide et supporte mieux la laine.

*Il faut faire attention avec les tissus souples et à motifs pour les étirer de façon égale!

-Maintenant, les côtés! J'ai d'abord coupé l'excédent de tissu avant de rabattre la partie du bas à l'intérieur du cadre. Il est encore une fois mieux de brocher en commençant par l'intérieur. J'ai par la suite replié la partie du dessus à l'intérieur en la brochant pour compléter le côté.

Cliquez sur les photos ci-dessous pour voir comment j'ai procédé. Répétez pour le second côté! :)

Le résultat n'est pas parfait, mais il s'est amélioré avec la pratique. Ce n'est vraiment pas grave parce que c'est l'arrière du panneau et ces petits défauts ne seront pas visibles une fois au mur.

3-Pose des oeillets et du fil à cadres

Pour des FORMATIONS MAO en français>>>

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Pour suspendre les panneaux, un simple fil à cadres tendu entre deux oeillets fait parfaitement l'affaire! C'est la façon la plus simple et économique que j'ai trouvée, mais vous pouvez certainement faire mieux si vous êtes un tantinet débrouillard!

-Avant de poser les oeillets, il faut percer un trou (la grosseur de la mèche est indiquée sur le sac ). Il faut le percer à environ 6 pouces du haut.

-Une fois les deux oeillets posés de chaque côtés, il faut poser le fil à cadre. J'ai utilisé du fil à résistance moyenne. Il faut calculer environ 2 1/2 pieds de fil par panneau. Il faut tendre le fil à cadre le plus fermement possible.

4-Pose du support au mur

Pour cette étape-ci, ma méthode est particulièrement broche à foin, mais elle fonctionne très bien et a le mérite d'être super simple.

Bien qu'on peut tout à fait poser directement les panneaux sur les murs avec des crochets à tableaux, il est préférable de les espacer du mur d'au moins 2 pouces pour étendre la réponse en fréquence de l'absorption dans les basses fréquences.

- Pour éloigner les crochets à tableaux du mur, il faut simplement coller ensemble deux retailles du bois utilisé pour les cadres et les viser au mur. Même que pour un des panneaux 2 x 2, j'ai uniquement collé les bout de bois sans les viser au mur et ça tient encore à ce jour!

-On clou ensuite les crochets à tableaux (c'est plus facile de balancer le cadre avec deux crochets). Une fois le panneau suspendu, il faut coller un petit bloc fait de retailles derrière le bas du panneau pour que le cadre s'y appuie (de cette façon, le panneau n'est pas en angle, mais parallèle au mur).

*Le petit bloc doit être un peu plus large que 2".

Et voilà! 

*Pour le panneau 2' x 4" suspendu au plafond, j'ai tout d'abord visé 4 oeillets à chaque coin du panneau. J'ai ensuite fixé au plafond 2 planches de 1" x 3" d'un peu moins 2 pieds, sur lesquelles j'ai aussi posé des oeillets pour y rattacher ceux du panneau avec des maillons rapides d'environ 2", comme ci-dessous.

Mes 15 albums de référence.

Un internaute m'a demandé dernièrement de lui faire une liste des albums dont la production m'a le plus marquée pour qu'il puisse tester la sonorité et le niveau d'écoute de ses moniteurs. Bien que je n'aie pas une très grande culture musicale (je passe plus de temps à en faire que d'en écouter), j'ai trouvé l'exercice intéressant. 

Voici donc mon Best of des albums que vous devriez tous écouter au moins une fois dans votre vie.

*Ils ne sont pas en ordre d'importance. Cliquez sur le artwork pour ouvrir un stream de l'album dans une autre fenêtre. Les liens sont uniquement là pour vous permettre une écoute rapide... Si vous aimez un album, aller l'acheter en magasin ou en ligne, ça sonnera nettement mieux!


US - Peter Gabriel

Je me permets de me contredire pour le premier album de cette liste. Us est l'album qui a coulé les bases ma conception de ce qui fait une bonne chanson et une bonne production. Produit en 1992, au début de l'ère numérique, avant la période agressive du loudness war. Il a été réalisé par Daniel Lanois en collaboration avec Brian Eno. 
Cet album mélange magnifiquement bien l'électro avec les instruments traditionnels de différents folklores. C'est un amalgame qui était assez avant-gardiste dans la musique populaire de l'époque et cette particularité est toujours au coeur de l'identité de Peter Gabriel. C'est d'ailleurs probablement une des choses que j'aime le plus faire: mélanger l'organique avec le numérique.
Le jeu de la basse électrique est assuré par Tony Levin, musicien extrememment prolifique avec plus de 500 albums sur sa carte de route. C'est en l'écoutant que j'ai compris l'importance de la ligne de basse dans une chanson. C'est en analysant son jeu qu'on remarque que la chose plus difficile est de savoir quand ne PAS jouer.
Je pourrais m'étendre longtemps sur la qualité de l'interprétation de Gabriel, le jeu des différents musiciens et l'originalité de la réalisation, mais je ne saurais par où commencer. Alors, faite-moi plaisir et allez écouter l'album!

Ma pièce préférée: Digging in the Dirt


Shine - Daniel Lanois

Shine est un album qui m'a sauvé la vie à plusieurs reprise (de façon figurée, bien entendu!). Bien des matins pénibles à épousseter des pianos dans un magasin de musique ont été meublés par la voix chaleureuse de Lanois. Shine défit toutes les conventions: voix qui popent, balances de volumes saugrenues, prises de son lofi, etc. Ses défauts font qu'on s'attache doublement à cet album. Ou pas.

Ma pièce préférée: Falling at Your Feet


Futur Sex Love Sounds - Justin Timberlake

Efficacité pop. Arrangements dangereusement bien faits. Voix dans ta face. Parfait exemple de l'approche américaine... Si vous voulez apprendre comment en faire moins en faisant mieux, cet album est un incontournable.

Ma pièce préférée: Sexy Ladies


Mutations - Beck

Mon album d'île déserte. Mutations est un ovni live-folk-électro. Si vous voulez apprendre comment composer une bonne chanson guitare-voix, isolez-vous avec une paire d'écouteurs et prenez des notes. Je pourrais dire la même chose à propos de plusieurs albums de Beck...

Ma pièce préférée: Tropicalia


When the Pawn... - Fiona Apple

Une de mes plus grandes influences du côté de la réalisation et des arrangements. C'est un album "de réalisateur" finement arrangé, avec une couleur vintage-moderne que j'affectionne particulièrement. La couleur et l'interprétation de la batterie tout au long de l'album est monstrueuse. 

Ma pièce préférée: Paper Bag


Quatre saisons dans le désordre - Daniel Bélanger

À mon avis un des meilleurs albums de tous les temps faits au Québec, autant du côté de la production, de la réalisation, que du côté de la composition et de l'interprétation. Daniel Bélanger est à mon avis le chanteur québécois qui chante le mieux la langue française.

Ma pièce préférée: Sortez-moi de moi


OK Computer - Radiohead

Un des albums rock alternatif les plus marquants des années 90. La deuxième pièce de l'album, Paranoid Android, réalisée à partir d'un collage de trois bandes de ruban magnétique, est une de mes production préférée de tous les temps ultime de la terre et plus encore.

Ma pièce préférée: Voir ci-dessus.


2001 - Dr. Dre

Simplicité et efficacité. Ça tape en taba$%#@9! Parfait exemple du "less is more". Bourré de hits, c'est probablement l'album hip-hop le plus marquant du début des années 2000. Quand je suis vraiment bien fier du kick d'un de mes mixs, je me fais une écoute de 2001 pour me ramener les pieds sur terre.

Ma pièce préférée: What's the Difference


In Between Dreams - Jack Johnson

Ok, ok... Jack Johnson est peut-être un peu fleur de rose, mais ses chansons sont particulièrement "feel good" et la production réussi parfaitement à mettre cette émotion à l'avant-plan. Les arrangements et la production sont d'une grande simplicité, mais c'est parfaitement exécuté de A à Z. C'est une excellente référence sonore.

Ma pièce préférée: Good People


Revolver - The Beatles

Je pouvais difficilement passer à côté de mon album préféré des Beatles. C'est pratiquement une pièce de collection parce qu'on ne fera jamais plus des albums de cette façon, avec une attention si particulière pour la composition des arrangements. Et ils n'avaient à leur disposition que des enregistreuses 4 pistes à l'époque...

Ma pièce préférée: Eleanor Rigby


Beyoncé - Beyoncé

Une armée d'auteurs, de compositeurs, d'interprètes, de réalisateurs, de mixeurs et une infinitude de moyens techniques ont été mis en oeuvre pour donner naissance à cet album. La pop à sont meilleur, comme on en écoute rarement.

Ma pièce préférée: Rocket


Qui de nous deux - M

Mathieu Chedid est un artiste extraordinaire et le fait qu'il a été musicien de studio avant de lancer sa carrière peut s'entendre dans la recherche sonore et la réalisation. Une belle référence pour comprendre comment bien faire les choses avec un EQ en "V" typiquement Français.

Ma pièce préférée: Je me démasque


Random Access Memories - Daft Punk

Daft Punk a réussi à prouver qu'en 2013, c'est encore un exercice rentable d'investir beaucoup de temps et d'argent pour produire un album, lorsqu'on fait les choses en grande de la bonne manière. Les moyens déployés pour produire cet album dépasse ceux de Beyoncé et la signature sonore est irréprochable. C'est un album qui donne beaucoup d'espoir aux opposants à la guerre du volume, parce que sa dynamique généreuse ne l'a pas empêché de gagner le Grammy pour l'album de l'année. 

Ma pièce préférée: Giorgio by Moroder


Blunderbuss - Jack White

J'ai décidé de faire une place à l'album solo de Jack White parce que c'est l'exemple parfait qu'il est possible de faire un album sans limiteur, brun, avec beeen de la dynamique tout en ayant un succès commercial. Un album d'une grande puissance émotive, particulièrement agréable à écouter. 

Ma pièce préférée: Blunderbuss


Etienn T - Etienn T

Je me permets un peu de nombrilisme pour terminer ce palmarès, parce que je reviens toujours au EP que j'ai lancé en 2010 lorsque j'ai besoin d'une référence sonore. Certaines chansons sur cet album ont demandé jusqu'à 3 ans de travail et je ne referai probablement jamais un album comme celui-ci. C'est une période de ma vie où j'étais dans l'exploration et énormément d'attention était portée sur tous les aspects de la production. Et oui, c'est moi partout sur la pochette.

Ma pièce préférée: Entertainment

Qu'est-ce qui rend un mix intéressant ?

C'est le début du blog et je pense que la question la plus fondamentale avant d'aborder tout le reste est de se demander:"qu'est-ce qui rend un mix intéressant ?"

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C'est une question que je me pose depuis des années et je ne compte plus les heures passées à étudier la question sous tous ses angles. Évidemment, derrière tout bon mix, il y a une bonne chanson. Il est difficile de dissocier la partie composition, arrangement et interprétation de celle du mix. Ces parties sont intimement liées et dépendent l'une de l'autre, mais je tâcherai de porter mon attention sur le mixage uniquement. 

"Un bon mix peut montrer une chanson sous un nouveau jour, mais ça ne fera jamais une meilleure chanson."

-  C'est de moi, mais je trouvais ça plus cool en italique, avec des guillemets...

Les points soulevés proviennent de mon observation personnelle et de mes goûts. Mon but est de vous rappeler ce que vous aimez déjà dans les chansons que vous écoutez et de vous inspirer à travailler ces 5 points.

#1: Il faut ressentir le beat.

Si vous ne ressentez pas votre bass drum à un volume  d'écoute "normal" et que vous faites du hip-hop, on passe à côté de 80% de l'expérience. Dans pratiquement tous les styles musicaux où l'on retrouve une forme de drum dans la section rythmique, le bass drum est toujours l'instrument dominant dans le mix. Il peut être accompagné de près par le snare, la basse et la voix est souvent au dessus de toute la patente. Mais il faut que le kick, le snare et la basse soient bien présents et les sous-mixer est l'erreur la plus commune chez les débutants en mix.


#2: Il faut que la voix soit présente, mais non agressive.

C'est un autre point qui est essentiel à souligner. Même si dans mon guide d'égalisation, je vous suggère des fréquences à augmenter pour donner plus de clarté ou de présence à une voix, ça ne veut pas dire que vous devez le faire. Une voix à toujours plus intérêt à être plus ronde que claire. N'oubliez jamais l'importance du confort d'écoute de l'auditeur.


#3: Il faut une dose de lieux communs et une dose de surprises.

Cliquez sur la photo pour télécharger cet extraordinaire wallpaper.

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Notre cerveau se compose de deux hémisphères: le gauche, analytique, cartésien, mathématique; le droit, siège du sens artistique et de l'intuition. L'être humain étant une bête d'habitudes, il faut le surprendre par petites ou moyennes doses. Il est donc important de satisfaire l'hémisphère gauche, qui recherche la mathématique, les "patterns" et les répétitions, autant que le droit, qui lui recherche l'émotion et la surprise.

Selon les styles musicaux et le contexte, il y a certaines "règles" ou plutôt, des lieux communs, dans la façon de mixer les instruments les uns avec les autres. Bien reproduire certains de ces lieux communs permet de mettre la table pour des éléments plus surprenants. Donc, comme on dit par chez-nous, gardez-vous une p'tite gêne!

Bien-sûr, comme pour tous les points soulevés dans ce blog, il y a toujours des exceptions!!!


#4: Il faut que ça déborde un peu.

Un mix lisse, parfait, sans défaut, ce n'est pas un mix avec lequel on voudrait avoir des enfants. C'est important que ça déborde un peu, que ça surprenne en cours de route.  On s'attache beaucoup plus à un mix qui est un peu "spécial" par moment.

Les chansons qui me font le plus tripper côté mix ont généralement un passage où je me dis "oh shiiit, j'aurais jamais osé faire ça comme ça!" . Permettez-vous de créer des "oh shit moments" dans vos chansons!


#5: Pour que ça lève, il faut que ça redescende.

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C'est une loi bien connu de la physique du mix: tout se qui lève doit redescendre si on veut que ça lève une nouvelle fois.

Bien des DJs ont fait fortune en ne faisant que ça: construire et déconstruire, encore et encore. Ça répond à un phénomène que l'on retrouve chez beaucoup d'espèces animales: l'anticipation stimule plus intensément les zones du plaisir dans le cerveau que la "récompense" elle-même. Dans un contexte de mix életro, la récompense, c'est quand la grosse basse embarque, comme dans "When Will The Bass Drop?" !

Bon! Il ne faut pas virer fou, mais l'important, c'est de ne pas tout donner au début d'une pièce. Parfois, il vaut mieux enlever un instrument dans le premier couplet s'il se répète dans le deuxième, pour qu'il y ait une progression d'intensité.

Si vous êtes en panne d'inspiration, faites un "break down", c'est toujours efficace. Enlevez la guitare et la basse, ne laisser que la voix et le drum, durant une mesure ou deux avant le refrain et boom, vous avez un hit instantané. Enfin, presque. 


Avant de terminer, je pense qu'il serait sage de mentionner les points qui peuvent gravement nuire à votre mix. Oui, il faut faire face à la réalité.

"The truth, you shall face. Your guitare track, you will redo."

 

1- La "tightness"

Le manque de rigueur au niveau de la rythmique est probablement le point faible le plus commun. Parfois, trop peu de temps est alloué à la pratique avant l'enregistrement et j'ai souvent vu de jeunes musiciens jouer à la limite de leurs capacités techniques. Le résultat n'est pas toujours très "clair". Il vaut mieux jouer bien en dessous de son niveau et le faire avec aisance.

Les outils disponibles pour quantifier (remettre un évènements audio ou midi sur le temps), comme le Beat Detective, de Pro Tools, sont très utiles et peuvent faire des miracles. Le but premier de la quantification est de régler les incohérences rythmiques des instruments entre eux et non de tout remettre sur le temps. Il faut apprendre à corriger ce qui nuit à l'ensemble de la pièce, tout en laissant ce qui fait le caractère unique de la "groove" de l'instrument quantifié.

Malheureusement, ce ne sont pas des outils faciles à maîtriser et on peut rapidement tomber dans la sur-édition, ce qui équivaut à jeter le bébé avec l'eau du bain! La sous-édition est tout aussi impardonnable.


2- La justesse / le pitch

Le WavesTune de Waves.

La question de la justesse est similaire à celle de la tighness: il faut savoir quand la corriger et comment le faire. Les outils pour corriger la tonalité (autotune) d'une voix ou d'un instrument sont fantastiques et il est possible de les utiliser de façon relativement transparente. L'autotune est en général assez simple à utiliser et lorsqu'on veut qu'il soit transparent, il est préférable de ne pas l'appliquer sur toute la piste, mais uniquement sur les passages faux. 

Bien-sûr, on peut aussi pousser à l'extrême ces mêmes outils et obtenir un effet à la T-Pain


3- La balance de volume et des fréquences

Il n'y a pas de règles absolues pour la quantité de basses, médiums ou hautes fréquences qu'un mix doit avoir. Selon les styles, il y a tout de même une certaine zone dans laquelle se tenir si on ne veut pas que notre enregistrement soit totalement différent des productions professionnelles. Bien-sûr, si vous avez la chance de travailler avec une personne d'expérience pour votre mastering, celle-ci pourra corriger ces débalancements, mais si l'égalisation nécessaire est drastique, il risque d'y avoir des changements indésirables dans la balance entre vos instruments. 

Vous pouvez facilement prévenir ce genre de problèmes en prenant soin de faire quelques vérifications:

Blue Cat's FreqAnalyst

  • Prenez le temps de comparer vos mixs avec des productions professionnelles bien mixées et masterisées. Importez votre mix stéréo dans une session avec plusieurs pièces dans un style similaire et passez de l'une à l'autre instantanément avec la fonction solo pour comparer rapidement les différences de balances.
  • Écoutez vos mixs dans différents systèmes et à différents volumes.
  • Si vous devez faire des augmentations ou des coupures de plus de 3-4 dB sur l'EQ de votre mix, prenez le temps de réviser l'égalisation et les volumes des pistes individuelles.
  • Un bon analyseur graphique de fréquences peut vous aider à repérer certains problèmes et sera utile durant l'étape de comparaison avec d'autres productions. Il y a plusieurs plugins gratuits de disponibles sur le web, comme le Blue Cat's FreqAnalyst. 

4- Les arrangements

Bien des problèmes de mix proviennent de la façon dont les arrangements sont faits. Avez-vous un solo de guitare durant le deuxième couplet qui "chante" en même temps que la voix ? Est-ce que la partie de clavier fait les mêmes accords et est dans le même range que la guitare ? La basse fait-elle une figure rythmique complètement différente de celle de la grosse caisse ? Ce genre de problèmes peut rendre le mix d'une chanson particulièrement difficile, voire impossible.

  • Assurez-vous de la complémentarité des différents arrangements et évitez de tout mettre dans la même zone de fréquences. Si vous avez plusieurs pistes midi qui jouent les mêmes notes, essayez d'en transposer certaines, un octave plus haut ou plus bas.
  • Il n'est pas nécessaire que tous les instruments soient à l'avant-plan. Prenez le temps d'établir en début de mix une "hiérarchie" entre les différents instruments pour garder en tête ce qui compte le plus dans votre chanson.
  • Rendu à l'étape du mix, n'ayez pas peur d'enlever le superflu. Vous n'êtes peut-être pas obligé d'avoir 5 pistes de pads durant le premier couplet.

5- Des mauvais choix d'effets

Une réverbe qui part dans tous les sens peut rapidement alourdir l'écoute d'une chanson et nuire grandement à la clarté d'un mix. Un délai long avec beaucoup de répétitions dans un contexte intime ne contribuera pas au sentiment de proximité que devrait procurer le mix. 

  • Prenez le temps de bien choisir vos effets parce qu'un grosse partie de l'esthétique de la chanson peut provenir de ceux-ci.
  • Égaliser vos reverbs. Les basses fréquences de votre reverbs de hall peuvent masquer la voix. Une trop grosse quantité de mids ou de hautes fréquences peut aussi être en conflit avec l'instrument réverbéré. Si un instruments est très chargé dans une zone de fréquences, atténuez cette zone sur la réverb. On évitera ainsi une sur-représentation de ces fréquences.
  • Compressez vos délais. Trop entendre le punch des répétitions ne donne pas l'impression d'un mix professionnel.

Je pourrais continuer longtemps comme ça, mais je pense avoir abordé les problèmes que je rencontre le plus fréquemment lorsque j'aborde un mix.

Au final, le travail de mix se résume à deux choses: on règle ce qui nous dérange et on met l'accent sur ce qui est important. Dans les deux cas, la question de goût a une importance cruciale. Vous devez prendre le temps d'affiner votre instinct tout en travaillant la technique pour qu'elle soit au service de ce premier. Comme l'a déjà dit Dave Pensado, à la fin de la journée, ce n'est pas pour ma technique qu'on m'engage, mais bien pour mes goûts. 

Cela dit, si vous gardez un oeil sur les points positifs et négatifs mentionnés dans cet article, vous mettrez toutes les chances de votre côté pour un avoir mix réussi! Et surtout, soyez patient, parce que c'est en forgeant qu'on devient forgeron!

Comment faire apparaître les noms des chansons dans iTunes ou un autre player ?

Il y a deux façons d'identifier les nom des chansons sur un CD pour qu'ils s'affichent lors de la lecture. Les deux différentes façons ont des rôles différents: la première, le "CD TEXT", sera lue par les lecteurs qui ont cette fonction de disponible et qui disposent d'une fenêtre pour indiquer le nom de l'artiste et de la chanson (lecteur CD dans une voiture, getho blaster de luxe,etc). Les ordinateurs et iTunes ne lisent pas le CD TEXT. La deuxième méthode est la CDDB (Compact Disc Database): la base de données sur le web de Gracenote (organisme qui gère la CDDB). Plus bas, je vous explique en détail comment soumettre les infos de votre CD à cette base de données.

DSP-Quattro que j'utilise pour faire les CD masters.

Le CD TEXT est une information encodée sur le CD audio qui peut être utilisée pour stocker des informations de base telles que: le nom de l'artiste, le titre de l'album, les titres des chansons et les codes ISRC. Le CD TEXT n'est pas lut par tous les CD players, mais sera reconnu par la plupart des lecteurs récents et des systèmes de son avec affichage. Encore une fois, il n'est pas utilisé par les ordinateurs ou iTunes.

Le CDDB (Compact Disc Database) est une base de données sur Internet qui recueille et diffuse les informations des CD. C'est ce type d'information qu'utilisent iTunes et les Windows Media player de ce monde. Vous devez soumettre vous-même ces informations, avec la version finale de votre CD (votre master ou un copie du produit final ).

Voici comment procéder pour soumettre les informations de votre album à la CDDB avec ITunes:

*Notez que vous pouvez le faire avec d'autres logiciels qui ont l'option "submit CD track names".

 
1- Mettre le CD dans le lecteur de l'ordinateur.

2- Ouvrir ITunes.

3- N'importez pas tout de suite le CD. Sélectionnez toutes les pistes de l'album dans iTunes, faites right-clic > Get Info, comme ci-dessous.

Vous pouvez y aller une à la fois, comme je l'ai fait, et cliquer "Next" par la suite...

4- Oui, j'écoutais l'album Within, de Moe Clark, en faisant ce post. Super album, en passant! Et ce n'est pas une plug perso, je n'ai pas travaillé sur l'album, c'est juste vraiment bon.

5- Gracenote prend uniquement en compte ces informations: 

- Nom de l'artiste
- Nom de l'album
- Nom des pistes
- Genre
- Année de lancement
- Nom du label (iTunes ne donne pas cette option)

6- Une fois que vous avez entré ces informations, vous devez aller dans le haut de la fenêtre, à droite > Options > Submit CD Track names, comme ci-dessous.

Une fois que vous avez cliqué sur "Submit track names", attendez deux ou trois jours et vous verrez apparaître le nom de l'album, le nom des pistes... etc, et ce, sur n'importe quel ordinateur!